Semana 9. Cultura Visual y Laboratorio de la Imagen

Historia del Diseño Gráfico

Siglo XVII [1.600 a 1.700 d.C. Barroco] 

El siglo XVII fue una época relativamente tranquila, para la innovación del diseño gráfico después del notable progreso que tuvo lugar durante las breves décadas de Los Incunables [Incunabula: libros confeccionados desde la invención de la imprenta hasta el 1500 y que pretendían imitar el manuscrito y la exquisita tipografía y diseño del libro en el renacimiento.  Se estima que los impresores del Incunabula produjeron más de 35000 ediciones para un total de 9 millones de libros]. Durante éste siglo tuvo lugar un despertar del genio literario. Se publicaron los trabajos inmortales de autores talentosos, incluyendo al dramaturgo y poeta inglés William Shakespeare [1564-1616], y al novelista y dramaturgo  español Miguel de Cervantes Saavedra [1547-1616].

Evidencias gráficas

§  El periódico más antiguo, Aviso Relation oder Zeitung, data de principios del siglo XVII. Fue impreso en la ciudad alemana de Asburgo.

§  El grabado de láminas de cobre, creció en popularidad conforme al refinamiento técnico.

§  La imprenta llegó a las colonias norteamericanas durante éste siglo.

Durante el siglo XVII Holanda prosperó como una nación mercantil y navegante; sus logros culturales incluyen a maestros como Rembrandt y Veermer. Durante éste siglo los libros se convirtieron en un importante artículo de exportación.

Siglo XVIII [1.700 a 1.800 Época de la Ilustración]

Diseño gráfico en la era Rococó [1720-1770]

Es el estilo de arte y arquitectura francesa, se caracteriza por el florido e intrincado ornamento, que se compone de curvas con formas de S y de C, volutas, adornos, y dibujos de plantas derivadas de la naturaleza del arte clásico, del arte oriental, y hasta de obras medievales.

Pierre Simón Fournier, el Joven. portada para el Ariette, Mise en Musique, 1756. Para elaborar dibujos como éste se requirieron gran número de ornamentos florales, curvilíneos y gepmétricos. 

Pierre Simón Fuornier, el Joven, páginas del Manuel Typografhique, 1764 y 1768, es una obra maestra del dibujo Rococó, por la calidad del dibujo

La imprenta de Pierre Simón Fuornier se llamó "la artillería del intelecto", puede decirse que surtió a los impresores del Rococó  con un sistema completo de diseño [romanas, itálicas, plumilla, estilo decorativo, rayas y ornamentos] de medidas estandarizadas cuyas partes se integraban tanto visual como físicamente.

Edad Moderna 

Revolución industrial [1760-1840]

La revolución industrial comenzó en el siglo XVIII en Inglaterra, se trató más de un proceso de cambios económicos y sociales radical, que de un simple periodo de la historia; época que produjo cambios radicales en el modelo de sociedad establecido, el crecimiento de la industria y el desarrollo de la tecnología elevaron el nivel de vida de la población, aunque en contrapartida surgieron nuevos y graves problemas como que gran parte de la población abandonó la agricultura para trabajar en la industria. Por otro lado, con el fracaso de la revolución francesa [Napoleón se coronó emperador, y después de su derrota, el rey fue restaurado al poder en Francia], hubo un giro de la vida pública, política, hacia la experiencia personal, subjetiva. 
La energía  fue el impulso básico para la transformación de la sociedad agrícola en una sociedad industrial. La fuerza animal y humana fueron las primeras fuentes de energía hasta que James Watt [1736-1819] perfeccionó la máquina de vapor, que se desarrolló rápidamente a partir del año 1780. Un gran número de personas dejaron de laborar las tierras y buscaron empleo en las fábricas. Las ciudades crecieron y hubo una distribución más amplia de la riqueza. El poder político se desplazó de la aristocracia hacia los fabricantes capitalistas, comerciantes, e incluso a las clases trabajadoras.

Evidencias gráficas

• El grado más alto de igualdad, que se inició a partir de las revoluciones francesa y americana, trajo consigo un mejoramiento en la educación pública y por tanto, la posibilidad de leer y escribir.
• Éste periodo inestable, con continuos cambios se caracterizó por una mayor trascendencia y disponibilidad de la comunicación gráfica.
• La aparición del cartel sólo fue posible con la expansión de la litografía [1830]. En 1866 Jules Cheret fundo un establecimiento especializado que crearía un estilo en la confección de carteles.
• A finales del siglo XIX, Toulouse-Lautrec realizó numerosos carteles [para el Moulin Rouge y el cabaret de Aristide Bruant].

Innovaciones en la tipografía 

Las prensas de imprimir usadas por Baskerville y Bodoni eran extraordinariamente similares a la usada por Gutemberg, más de tres siglos antes. Era inevitable que el progreso de la revolución industrial modificara radicalmente la imprenta. Para mejorar su eficiencia y el tamaño de las impresiones los inventores procuraban aplicar teorías mecánicas y partes metálicas a la prensa manual.

Tipo de cara gruesa de Robert Thorne, 1821

Henry Caslon, 1841

  

Henry Caslon, modelos de tipo jónico de mediados 

de la década de 1840

Volante para una excursión en tren, año 1876, el compositor utilizó tipos de letra extra-gruesos para la primera letra de las palabras importantes, la forma de las letras de remate son de tamaño exagerado, se usan en forma efectiva; con diseños breves y ensanchados, en la frase, "¡Maryland Day!"

Paul Gavarni (1804-1866), An afficheur at work [un fija carteles trabajando], año 1845. El famoso ilustrador  y caricaturista francés satirizó al mostrar a un fija carteles pegando sus letreros con engrudo encima de los anuncios de la competencia.

Esta prensa fue un preludio al perfeccionamiento de la prensa mecánica a vapor con cilindro de tope realizado por Koenig que permitía una operación más rápida, 1814

La fotografía como herramienta de comunicación visual

Prerrafaelista [1848-1860] 

En 1848, un pequeño grupo de jóvenes artistas ingleses se unieron y formaron "La Hermandad prerrafaelista", un nombre que suena intencionadamente hacia el pasado y el medieval. El prerrafaelitas miró al arte antes de la época de Raphael [anterior al 1500] antes de que el arte del Renacimiento fuera reducido a fórmulas, seguidas durante siglos por los artistas asociados con las academias de arte de Europa. Estos artistas también adoptaron una amplia gama de temas, incluyendo la vida moderna, bíblica y temas literarios, e incluso la historia. Éstos artistas se oponían por igual a la vulgaridad de la estética industrial y a la ausencia de sentimientos del arte académico.

Evidencias gráficas

§  Su idea era que el arte antes de Raphael era más sincero, más fiel a la naturaleza y la forma en que vemos, y por lo tanto menos formulista.

§  En aquellas obras creían percibir un goce sereno, creativo y de las que admiraban la belleza de las formas y la profunda espiritualidad.

§  En los temas pictóricos predominan las composiciones con jóvenes hermosas y melancólicas y escenarios medievales.

§  Querían representar una visión amable de la vida y la espiritualidad.

§  Los artistas mezclaron en sus obras, con una minuciosa ejecución, lo sublime y lo provinciano, lo cotidiano y lo ilusorio

Arte victoriano [1837-1901]

La época victoriana comienza en el año 1837 cuando la reina victoria accede al trono de Inglaterra y termina en 1901. Durante su reinado tuvieron lugar la guerra de Crimea, la rebelión y pacificación de la India, de la que se proclamó emperatriz en 1877. Durante este periodo de industrialización, surgieron muchas innovaciones en arquitectura y en otras áreas como el transporte.  Para la clase media británica era una época de prosperidad, el hombre se sentía satisfecho de sus logros y usaba su casa para exhibir su riqueza conseguida con su trabajo y esfuerzo. La sociedad era muy puritana y la familia ocupaba el primer lugar en la vida victoriana, el hogar era el centro de reunión social, familiar y de bienestar. 

El arte británico tuvo un retorno a lo clásico después de la década de 1860, no sólo en términos de estilo, sino también en la temática. Alma Tadema creo visiones victorianas sensuales de los antiguos griegos y romanos y Leighton también rindió homenaje al arte clásico. Ambos artistas, junto a Sargent, fueron influenciados por el movimiento estético, en el que el sujeto o la narrativa de una obra de arte se reducen al mínimo a favor de un enfoque en cuestiones de forma [armonías de color, línea, composición].

Portada que muestra tipos de letras medievales, formas de plantas barrocas y entrelazados geométricos se combinan en un denso diseño simétrico.

Evidencias gráficas

§  En ésta época se presenta el primer diseñador el cual define al diseño como un acto moral que lograba la condición de arte a través de las ideas y la misma creatividad.

§  Una característica de ésta época es cuando la pintura popular narrativa y romántica estuvo estrechamente ligada a las ilustraciones, gráficas de cromolitografía.

§  El amor victoriano se expresó gracias al diseño por medio de adornos, tallados en madera, la arquitectura, vajillas, muebles, platos y hasta letreros de diseño gráfico.

§  Se generó un entusiasmo por el diseño, mejoraron las técnicas de impresión y se desarrolló la litografía, que se basa en el sencillo principio del aceite y el agua [se dibuja con un crayón graso sobre una piedra pulida].

§  La novedad es el uso de la figura femenina como elemento simbólico.

§  La publicidad inglesa se caracteriza por un notable grado de dignidad, tanto en su contenido como en sus formas.

 

Realismo [1850-1875]

El Realismo fue un movimiento artístico y literario cuyo propósito fundamental consistió en la representación objetiva de la realidad, basándose en la observación de los aspectos cotidianos que brindaba la vida de la época.

Esa exigencia de contemporaneidad, ajena a evocaciones o fantasías de corte romántico, posibilitaron a los artistas realistas un amplio campo de representación, tanto en la temática como en su intencionalidad. Precedido por el Romanticismo y seguido por el Simbolismo y por el Impresionismo, el Realismo no se reveló en Europa con igual intensidad ni tampoco de modo simultáneo. Su apogeo puede situarse entre 1840 y 1880, sin perjuicio de que en algunos países su práctica se prolongara durante el primer cuarto del siglo XX. 

En la mitad del siglo XIX, el gran arte se define y tomó sus temas de la religión, la historia o la mitología y su estilo copió el de la antigua Grecia y Roma. Apenas lo que podríamos considerar moderna y adecuada para una cultura industrial, comercial urbana. Courbet estuvo de acuerdo, y también lo hizo su amigo el escritor Charles Baudelaire quien llamó a un arte que representar, como él la llamaba, la belleza de la vida moderna. Courbet pintó la realidad de la vida en el campo-no a los campesinos idealizados que eran el habitual en las exposiciones en París. La revolución de 1848, en el que tanto la clase obrera y la clase media jugaron un papel importante, sentó las bases para el realismo. Más tarde, Manet y Degas pintarón la vida moderna de París, una ciudad que fue sometida a una rápida modernización en el período después de 1855.

Evidencias gráficas

§  En ese compromiso con lo social, el Realismo dio paso a temas que hasta entonces se habían ignorado, elevando a la categoría de protagonistas de sus obras a tipos humanos que nunca tuvieron el honor de ser representados. Campesinos, picapedreros, ferroviarios, lavanderas, mineros, etc., fueron fuente de inspiración para los creadores realistas. Unos protagonistas que figuraban tanto en los lienzos como en los relatos literarios y cuyo concurso se revelaban no como un simple complemento pintoresco, sino como figuras centrales. 

§  La contemporaneidad fue uno de los elementos esenciales del Realismo. Sus defensores sostenían que el único tema válido para el artista del momento era el mundo coetáneo. El propio Courbet manifestaría que "cada época debe tener sus artistas que la expresen y reproduzcan para el futuro". 

§  Entre 1835 y 1855, tendría lugar la aparición y auge progresivo del telégrafo, el teléfono y el sello de correos, así como del periodismo ilustrado. 

§  Fue Joseph Nicephore Niepce (1765-1833) quien logró por vez primera fijar con procedimientos químicos una imagen obtenida a través de una cámara oscura.

§  En 1786 logró la primera fotografía en negativo sobre papel, descubriendo en 1822 los fundamentos del fotograbado. Años más tarde, en 1829, firmaría un contrato con el pintor y negociante Luis Jacques Mandé Daguerre (1791-1851), al objeto de investigar conjuntamente.

§  El fruto de esa colaboración no tardaría en llegar, descubriendo este último un procedimiento simplificado, apto para la explotación comercial, que permitía impresionar placas de metal mediante un baño de yodo y llevar a cabo la fijación con sal de mar y mercurio.

§  François Aragó lograría que el Gobierno francés adquiriera el invento, bautizado como daguerrotipo, y el 19 de agosto de 1839 fue dado a conocer ante las Academias de Ciencias y Bellas Artes, consagrándose así oficialmente el nacimiento público de la fotografía. 

Impresionismo [1874-1886]

El origen histórico del Impresionismo suele identificarse con la aventura iniciada por una serie de jóvenes pintores independientes, en cuya nómina figuraban los nombres de Monet, Renoir, Pissarro, Cézanne y Morisot, quienes, dolidos y hartos de verse excluidos sistemáticamente del Salón parisino oficial, decidirían organizar una muestra pública en la casa del fotógrafo Nadar, sita en el Boulevar des Capucines de la capital francesa. Esta exposición, celebrada del 15 de abril al 15 de mayo de 1874, daría pie al crítico Louis Leroy a escribir en la revista satírica "Le Charivari", cuyas páginas habían recogido precisamente la colaboración de Daumier años atrás, para ridiculizar a Monet: "¿Impresión?.., ya lo decía yo. Puesto que estoy tan impresionado, es que ahí debe haber impresión... Y ¡qué libertad, qué maestría en la técnica! El papel de la pared en estado embrionario está mejor pintado que esa pintura". Estos artistas describen en sensaciones fugaces de luz, los nuevos pasatiempos de ocio de la ciudad y sus suburbios; es difícil de imaginar, pero en este momento en Francia el único lugar donde los artistas podían exponer sus obras, eran las exposiciones oficiales autorizadas por el gobierno [llamado salones], celebrada una vez al año y controlada por un jurado conservador. Los impresionistas pintaron París y paisajes modernos con pinceladas sueltas, los colores brillantes y poco convencionales, obras pictóricas de las cuales ninguna fue apreciada por el jurado del salón oficial.

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§  En el monto de circunstancias causales y casuales que informan la génesis del Impresionismo hay que mencionar en primer lugar la referencia geográfica del puerto de El Havre, dado que fue allí donde Monet, futura alma del movimiento impresionista, realizó sus primeras incursiones en el campo artístico, centrándolas como caricaturista. 

§  La visión de los impresionistas es una percepción optimista del mundo, de la sociedad y, sobre todo, de la vida parisina, que es presentada en sus aspectos más gratos y amables: el ambiente de sus calles, sus paseos, los espectáculos y diversiones, etc. Parecen identificarse así con Baudelaire, quien en 1846 manifestaba que "la vida parisiense es fecunda en temas poéticos y maravillosos. Lo maravilloso nos envuelve y nos nutre como la atmósfera; pero no lo vemos". Los pintores impresionistas sí lo vieron y así lo reflejaron. 

§  Como hombres de su tiempo, los impresionistas fueron influidos de forma notoria por los progresos de la fotografía y por la estampa japonesa.

Post-impresionismo [1870-1914]

La obra de Van Gogh, Gauguin, Cézanne y Seurat juntos constituyen el postimpresionismo y sin embargo, su trabajo es tan variado y sin relación, podríamos de otra manera nunca pensar en estos cuatro artistas como un grupo. Ciertamente van Gogh y Gauguin fueron amigos y pintaron brevemente juntos, pero cada uno de estos artistas se preocupó por la solución de los problemas particulares que tenían que ver con su propia sensibilidad individual. Irónicamente, si algo que une a estos artistas, es este enfoque en la subjetividad. Las críticas sistematizadas de Seurat a la clase media alta de París, la fascinación de Gauguin con las experiencias profundamente humanas primitivas y exóticas y la capacidad infalible de Van Gogh para transmitir su entorno psicológico y natural.

Evidencias gráficas

Toulouse-Lautrec (1864-1901), el pintor de Albi, de familia aristocrática y cuerpo deformado por un accidente, arrancó también, a través de Degas, del Impresionismo. Pero bajo la influencia del arte japonés, que también interesó mucho a Van Gogh y Gauguin, y de las técnicas del grabado y la litografía que practicó profusa y revolucionariamente, produjo una obra (cuadros, carteles, obra gráfica) marcada por el dominio de un dibujo y un trazado muy definidos y vigorosos, colores planos y composición y perspectivas en extremo audaces, en la que las impresiones de luz no interesaban nada, y en la que líneas y color eran empleadas con libertad y elegancia inusitadas. Lautrec rechazó, además, el paisajismo. Fue un pintor esencialmente urbano, que observó con ironía y distanciamiento la vida nocturna y bohemia de París, que pintó preferentemente cabarets, artistas, cafés, burdeles y circos (el Moulin Rouge, Jane Avril, Aristide Bruant, el Moulin de la Galette...), componiendo así una especie de gran fresco de la decadencia de la "belle époque".

Simbolismo [1875-1905]

Los años 1880 vieron un cambio desde el enfoque de vida moderna del impresionismo, como artistas se volvieron hacia el yo interior, a los sueños y el mito. Había una sensación de que el impresionismo había sido demasiado atado con el materialismo de la cultura de la clase media. De alguna manera van Gogh y Gauguin también pueden ser vistos como simbolistas. Muchos simbolistas pertenecían a grupos de artistas que rompieron o se separaron de la creación de arte en sus respectivos países, para celebrar sus propias exposiciones. Por ejemplo, Klimt pertenecía a la Secesión de Viena (fue su primer presidente), Khnopff con un grupo similar en Bélgica llamado Lex XX (el vigésimo), y Stuck co-fundador de la Secesión de Munich.

Evidencias gráficas

§  No se trata tanto de encontrar una unidad en el lenguaje formal como una voluntad de reafirmarse en el contenido y en la idea. Se trata de exteriorizar la idea, analizar el yo, objetivar lo subjetivo, se intenta "hacer patente lo latente", les interesa la capacidad de sugerir, establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones que en la realidad se mantienen en planos diferentes. A estos artistas, etiquetados como simbolistas, denominados espiritualistas, les interesa el misterio, la ambigüedad, los sentimientos complejos e indecisos, crear traduciendo lo inexpresable, caminar por ese bosque de signos baudeleriano, "tal vez oscuro pero no por ello impreciso". 

§  En esa necesidad de expresar un orden de realidades distinto de las tangibles" (R. Gullón) hay una serie de temas que se hacen queridos, tanto a los escritores como a los pintores, y por ello aman las figuras que trascienden la realidad y aspiran a ser vistas como signos de mundos ideales y raros.

§  El símbolo es así "un agente de comunicación con el misterio, revela intuiciones que no podría explicar quién las experimenta".

El gusto por las referencias mitológicas, religiosas o legendarias, tamizadas por la imaginación, el mundo medieval a través del ensueño de los cuentos fantásticos, la incitación a explorar el misterio, la tendencia al ocultismo, al hermetismo, al submundo del satanismo, tan en boga en la época. Una inclinación hacia lo sobrenatural, hacia lo que no se ve, al mundo de las sombras.

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