Semana 10: Cultura Visual y Laboratorio de la Imagen

Historia del diseño gráfico: El siglo XX. Origen y desarrollo del diseño gráfico moderno

Vanguardias Artísticas del siglo XX y la escuela de la Bauhaus

"Las primeras dos décadas del siglo XX fueron una época de efervescencia y cambios insólitos que alteraron radicalmente los aspectos de la condición humana.El carácter de la vida social, política, cultural y económica sufrió un cataclismo. En Europa la anarquía fue reemplazada por la democracia, el socialismo y el comunismo soviético. Los avances científicos y tecnológicos transformaron el comercio y la industria. Con la llegada del automóvil [1885] y de el aeroplano [1903] el transporte cambió radicalmente. El cinematógrafo [1896] y las transmisiones inalámbricas por radio [1895] presagiaron una nueva era en la comunicación humana." [Meggs]

El siglo XX ha sido una época de constantes cambios dentro del terreno gráfico y plástico; nunca en toda la historia del arte se habían dado en un período de tiempo tan corto tal sucesión de movimientos y corrientes artísticas. Desde las radicales y rupturistas vanguardias de principios de siglo hasta las últimas tendencias que se manifiestan en el actual mundo del arte han transcurrido infinidad de lenguajes que evidentemente no siempre han tenido la aceptación o el debido interés por parte de la crítica o el público. Cada una de estas corrientes tiene características que la hacen única, sin embargo se van uniendo una con otra y compartiendo en ocasiones artistas que continúan sus obras dentro de otra corriente artística. 

Art Nouveau

Surge en Bélgica, en los balcones de las casas de la ciudad, en los puentes o edificios. En Francia el estilo se vio en el elegante Metro de la ciudad y se caracterizó por rodear de enredaderas a las bajadas de los trenes subterráneos. En Munich y Viena este arte se aplicó a las ilustraciones de libros y revistas, inspirados en uno de los precursores del art nouveau: Gustav Klimt. En Estados Unidos surgió la fama de las lámparas Tiffany, creadas en vidrio favrile, el mismo que se utiliza en los vitrales. Fue España, país en que nació el catalán Antoni Gaudí, quien revolucionó la arquitectura hispánica con construcciones de líneas curvas y ondulantes. El Art Nouveau tiene como una de sus influencias al movimiento inglés de Arts and Crafts. Se desarrolló en varios países europeos y en los Estados Unidos, con la característica de ser el estilo más moderno y representativo de principios del siglo XIX, manifestándose tanto en las artes como en el diseño gráfico, arquitectura y el diseño de objetos cotidianos [mobiliario, decoración, etc.]. El término "Art Nouveau" fue adoptado en Inglaterra y Estados Unidos; en Alemania se llamó "Jugendstil" [estilo joven]; en Austria "Secesión"; en Francia "Le Style moderne"; en España "Modernista". Como característica específica del estilo aparece el ornamento de formas orgánicas, por lo general vegetal muy relacionado con la ilustración y la fantasía. Los ejemplos más conocidos son los carteles franceses de Toulouse-Lautrec (1890) y los de Alphonse Mucha. Con formas inspiradas en la naturaleza a partir de líneas onduladas y ornamentos florales y la influencia de los grabados japoneses, característico por tratar al espacio de la representación visual en forma plana o bidimensional [sin profundidad espacial]. Desde la organización de los elementos plásticos y comunicativos, este estilo revoluciona las formas de diagramación espacial más libres y dinámicas, ya que los títulos y los textos participan activamente dentro del espacio de la ilustración y con los elementos decorativos [guardas, etc.], superando la estructura ortogonal y simétrica del estilo gráfico anterior, modificando cánones estéticos muy arraigados.

William Bradley. portada de El Impresor Nacional 1894. Diseño de portada que muestra la gama del vocabulario gráfico de Braldey.

 Cubismo

Al crear un concepto del diseño independiente de la naturaleza, el cubismo inició una nueva tradición artística con un enfoque distinto, que terminó con 400 años de influencia renacentistas en el arte pictórico. La génesis de este movimiento es Les Demoiselles d´Avignon de 1907 del artista español Pablo Picasso. Con base en las estilizaciones geométricas de la escultura africana y del pintor postimpresionista Paul Cézanne, quien hizo notar que el artista debía “tratar la naturaleza en términos del cilindro, la esfera y el cono” esta pintura constituyó una nueva propuesta en el manejo del espacio y en la expresión de las emociones humanas. Las figuras se abstraen en planos geométricos y se rompen las normas clásicas de la figura humana. Las ilusiones espaciales y de la perspectiva dan lugar a un giro ambiguo de planos bidimensionales. La figura sentada es observada simultáneamente desde una multiplicidad de puntos de vista. En 1912 Picasso y Braque introdujeron elementos del collage del papel en su trabajo. El collage les daba libertad de composición, independientemente del tema y declaraban la realidad de la pintura como un objeto bidimensional. A menudo, incorporaban letras y palabras de los periódicos como formas visuales y para establecer significados por asociación. 

Les demoiselles d'Avignon, 1907. Pablo Picasso. Los principios del cubismo están contenidos en los espacios del fondo de la pintura.

Futurismo

“... Proponemos celebrar el amor al peligro, la costumbre de la energía y la intrepidez. Valor audiencia y rebelión serán los elementos esenciales de nuestra poesía... Afirmamos que la magnificencia del mundo ha sido enriquecida con una nueva belleza: la belleza de la velocidad...Un auto de carreras que parece moverse sobra la metralla es más hermoso que la Victoria de Samotracia...Excepto en la lucha, no hay más belleza. Ningún trabajo carente de un carácter agresivo puede ser una obra de arte.” 

Cuando estas palabras del Manifiesto del futurismo fueron publicadas en Le Figaro en París, el 20 de febrero de 1909, el poeta italiano Filippo Marinetti fundó el futurismo como un movimiento revolucionario en todas las artes para poner a prueba sus ideas y sus formas contra las realidades nuevas de la sociedad científica e industrial. El manifiesto proclamaba la pasión por la guerra, la era de las máquinas, la velocidad y la vida moderna. Impugnaba los museos, las librerías, el moralismo y el feminismo. 

Desde la invención del tipo móvil de Gutemberg, la mayor parte del diseño gráfico había tenido una vigorosa estructura horizontal y vertical. Los poetas futuristas lanzaban al viento estas restricciones. Liberados de la tradición, animaron sus páginas con una composición dinámica, no lineal, realizada por medio de palabras y letras pegadas en lugar de la reproducción fotográfica. Los futuristas iniciaron la publicación de manifiestos, la experimentación tipográfica y las maniobras publicitarias. En el libro de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas, se utilizaron tipos de tamaños descendentes y formas pictóricas para construir una forma semejante a la cola de un ratón, como parte del cuento que narraba una historia acerca de él. 

Poema extraído de Les mots en liberté, de Fillipo Marinetti, 1919
"La confusión, el ruido violento y el caos de la batalla explotan sobre la joven que está leyendo la carta de su amado en el frente [de batalla]. 

El Dadaísmo

El movimiento dadaísmo se desarrolló espontáneamente como un movimiento literario después de que el poeta Hugo Ball abrió el Cabaret Voltaire en Zurcí, Suiza, como un lugar de reunión para poetas, pintores y músicos jóvenes independientes. El espíritu que guiaba el movimiento dadaísta era un joven poeta húngaro, Tristán Tzara, quien editó el diario Dadá iniciado en julio de 1917. Exploró la poesía fonética, la poesía del absurdo y la poesía fortuita. Escribió un torrente de manifiestos y contribuyó en todas las publicaciones y eventos dadaístas más importantes. Al reaccionar contra un mundo que se había vuelto loco, el dadaísmo afirmaba ser el ansiarte y poseía un fuerte elemento destructivo y negativo. Rechazando toda tradición, buscó la libertad total. 

Los dadaístas ni siquiera estaban de acuerdo en sus orígenes con el nombre de Dadá. Estos escritores estaban interesados en el escándalo, la protesta y el absurdo. Se rebelaron violentamente contra los horrores de la Guerra Mundial, la decadencia de la sociedad europea, la frivolidad de la fe ciega en el progreso tecnológico, la insuficiencia de la religión y los códigos morales convencionales en un continente en pleno cataclismo. Su rechazo del arte y la tradición permitió a los dadaístas enriquecer el vocabulario visual del futurismo. Su síntesis de acciones espontáneas al azar con decisiones planeadas les permitió deshacerse de los preceptos tradicionales del diseño tipográfico. Asimismo, el dadaísmo mantuvo el concepto del cubismo acerca de las letras como formas visuales concretas, no sólo como símbolos fonéticos. Los dadaístas berlineses asumieron fuertes convicciones políticas y revolucionarias, gran parte de sus actividades artísticas hacia la comunicación visual, para elevar la conciencia pública y promover el cambio social. Helmut Herzfelde quien adoptó el nombre de John Heartfield en protesta contra el militarismo alemán y su ejército se convirtió en el miembro fundador del grupo dadaísta en Berlín y fue quien utilizó el fotomontaje como una potente arma de propaganda e innovó la preparación del arte mecánico para la impresión en offset.

Portada del periódico daísta "El corazón barbado". 1922
Muestra una organización casual del espacio, en tanto que las ilustraciones están ubicadas arbitrariamente en la página, sin ninguna intención comunicativa particular.

Rueda de bicicleta 1951, de Marcel Duchamp [Tercera versión]
Cuando un objeto es removido de su contexto usual, de repente lo vemos con ojos frescos que corresponden a sus propiedades visuales intrínsecas.

Surrealismo

Aunque se haya dicho muchas veces que el Surrealismo viene directamente del dadaísmo es importante destacar los orígenes autónomos y propios del primero. Lo cual no quita que tengan entre sí líneas de contacto y reflexiones comunes. Pero si el dadá es un arte que propugna destruir, provocar el caos y aniquilar, el Surrealismo construye de veras una concepción del arte y de la vida. Freud ejerce una influencia decisiva en el movimiento. Sus teorías acerca del mundo autónomo de los sueños, de la capacidad automática de la psiquis, del profundo y oscuro mundo interior de la mente -el subconsciente o inconsciente- aparecen como reveladoras de una nueva naturaleza del arte humano. Breton comienza a estudiar al psicoanalista vienés ya en 1916 -tres años antes de que se conocieran él y Tristan Tzara- y desarrollará un amplio caudal de conocimientos sobre dichas teorías. 

A partir de 1925 el movimiento se expande y politiza. Se publican cartas-denuncias dirigidas al papa, al Dalai lama, contra la guerra, a favor de libertad para los delincuentes y para los locos. Su inclinación izquierdista no es óbice para sufrir la desconfianza del comunismo estalinista. La voluntad de los artistas surrealistas de militar en el comunismo se encuentra con la férrea burocracia del dogmatismo del partido francés (PCF). Ello no impide que el "Papa Breton" redacte su segundo manifiesto del surrealismo en diciembre de 1929, donde criticará a aquellos surrealistas "puros", que no han apoyado la revolución marxista. 

Con la segunda Guerra Mundial el movimiento llega a América. Breton, exiliado en los Estados Unidos, funda allí la revista V.V.V., conoce a Trotski en México y propicia y apoya el efecto surrealista por todos esos países.

Pintura metafísica de Giorgio De Chirico.
De Chirico creo una poesía sin fin a través de paisajes desolados y enigmáticos.

La fotografía y el movimiento moderno

"Era inevitable que el nuevo lenguaje visual de los movimientos modernos, preocupados por el punto, , la línea, el plano, la forma y la textura, así como por la relación entre éstos elementos visuales comenzara a influir en la fotografía, del mismo modo que el futurismo y las proposiciones dadaístas habían impactado a la tipografía en el diseño gráfico. La fotografía fue inventada como un medio para documentar la realidad con mayor exactitud que la pintura a principios de siglo, la pintura impulso a la fotografía en el nuevo reino de la abstracción y del diseño." [Meggs]
"En el año 1915 Man Ray [1890-1976] artista nacido en filadelfia, conoció a Marcel Duchamp y quedó encantado con el dadísmo... Man Ray se unió a los surrealistas en su evolución del dadaísmo hacia una búsqueda menos accidentada de los roles desempeñados por el iconsciente  y el azar en la creación. Durante los años veinte trabajo como fotografo profesional mientras introducía el dadaísmo y el surrealismo a la fotografía, utilizando en ambos casos la manipulación en el cuarto oscuro y decoraciones (poco usuales) de estudio. Fue el primer fotógrafo en explorar el potencial cretivo de la solarización, lo opuesto a la secuencia tonal en las áreas más densas de un negativo o impresión fotográfica, el cual agrega fuertes contornos negros a los bordes de las formas principales. La solarización se realizó al dar una segunda exposición a la luz de la imagen fotógrafica latente o revelada. [Meggs]

Retrato solarizado de Lee Miller, 1929, Man Ray

El nuevo lenguaje de la forma

Constructivismo

Movimiento artístico de vanguardia fundado en Rusia. Dicho término lo utilizó por primera vez en 1913 el crítico N. Punin a propósito de los relieves de Tatlin. Según A. Gan, el movimiento como tal “surgió en 1920 en el marco de los pintores de izquierdas y de los ideólogos de la acción de masas”. En dicho marco se sitúa el Manifiesto realista de N. Gabo y A. Pevsner y las tesis productivistas enunciadas por Vesnin, Popova, Ekster, Rodchenko y Stephsnova en el catálogo de la muestra “5x5=25”. En gran parte, los presupuestos figurativos del constructivismo eran análogos a los de movimientos contemporáneos como el cubismo, el dadaísmo y, en particular, el futurismo. Al igual que este último, el constructivismo manifestaba su rechazo al arte burgués y descubría el proyecto de un nuevo lenguaje en las “propuestas” de la tecnología y la mecánica industriales. Sin embargo, la peculiar situación sociopolítica de la época caracterizó y distinguió el constructivismo. 

Ante todo una concepción de la estructuración del espacio, incluso cuando se lleva a cabo en la pintura; la obra de arte está en comunicación con el espacio que la circunda y penetra, cuya estructura invisible se materializa en ella; se abre por todas partes hacia el espacio y consta, especialmente en la fase última del constructivismo de elementos, frecuentemente transparentes, de formas geométricas, lineales y planas. En tanto que principio de creación el modelo figurativo se sustituye por el "culto del material" que en los relieves de Vladimir Tatlin (1885-1953) se refiere al contraste táctil de materiales y en su fase más tardía a la elasticidad y relaciones de peso y tensión dentro de la construcción. Del mismo modo que los futuristas, los constructivistas rusos se fijaban como meta una «reconstrucción» de la sociedad, lo que les condujo a un interés por la arquitectura, el diseño utilitario y la escenografía.

Kasimir Malevich, Cuadro negro sobre fondo blanco; el arte visual se aleja tanto como es posible del mundo de las formas y de las apariencias naturales.

Golpe a los blancos con la cuña roja, 1919. El Lissitzky.
Los elementos del diseño suprematista poseen un simbolismo político muy sencillo.

Anuncio para la tinta Pelikan, 1924.
El Lissitzky. Este fotograma fue producido en el cuarto oscuro al hacer la composición de los objetos directamente sobre el papel fotográfico.

Art Déco

El Art Déco es un estilo con las contradicciones de los años 20 y 30, de la época del modernismo y del arte comprometido. Art Déco es el nombre del estilo en las artes y la decoración. El período llamado "Art Déco" se manifestó entre las dos guerras mundiales, de 1920 a 1939. Muchos estiran realmente este período de nuevo a 1900 e incluso hasta los últimos años 50, pero el trabajo de este tiempo se considera generalmente ser más de una influencia al estilo de Art Déco, o es influenciado por el estilo. Como con muchos otros movimientos del arte, incluso el trabajo de hoy todavía está siendo influenciado por el pasado. Tiene dos caras: la opulenta de los años 20 y la depresiva de los 30, del expresionismo y el funcionalismo, de las guerras mundiales y la paz. Durante el período entre las dos guerras mundiales, un estilo ecléctico del diseño se convirtió que más adelante se conocía como Art Déco. El nombre fue derivado de los artes 1925 del DES de Internationale de la exposición Decoratifs Industriels et Modernes, sostenido en París, que celebró la vida en el mundo moderno. 

Lo que caracteriza el diseño de Art Déco es la configuración y los artes aplicados del período revelan una mezcla variada. Sin embargo, la mayoría comparten los sellos de la geometría y de la simplicidad, combinados a menudo con los colores vibrantes y la dimensión de una variable simple que celebran la subida de comercio y de tecnología. 

Los diseñadores gráficos del Art Déco son un producto de su edad, y reflejan el espíritu de la modernidad y de la ingeniosidad industrial. El estilo gráfico de la formalidad y de la simplicidad geométrica es a menudo usado en este período para transformar o para torcer realidad, reinterpretando el mundo en el estilo Déco. Los elementos de Cubismo y del Futurismo son evidentes en muchos trabajos, y el recorrido y el transporte son temas populares.

Movimiento de arte popular, Art Déco, años 20

De Stijl

El último verano en Holanda de 1917, marcó la formación del movimiento y del periódico De Stijl. Piet Mondrian, Bart van der Lek y el arquitecto J.J.P. Oud se unieron a Théo van Doesburg, fundador y guía espiritual de este grupo. Van der Lech parece haber sido el primero en pintar figuras geométricas planas de color puro, además antes de formar parte de este grupo, ya creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas. 

Para entonces, Mondrian había reducido su vocabulario visual a la utilización de los colores primarios (rojo, amarillo y azul) con blanco y negro, en tanto las figuras y las formas quedaron limitadas a líneas rectas, cuadrados y rectángulos. Empleando estos medios tan limitados, Mondrian construyó composiciones de un balance simétrico sublime, en las cuales la tensión y el balance de los elementos alcanzaron una absoluta armonía. 

El restringido vocabulario visual de los artistas De Stijl permitió buscar a los artistas una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza. Estaban profundamente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo y deseaban “expresar la conciencia general de su época”. Ellos creían que la Guerra Mundial estaba arrasando con una vieja época. Los adelantos científicos, tecnológicos y políticos anunciaban una nueva era de objetividad y colectivismo. De Stijl buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible, pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. La teoría científica, la producción mecánica y los ritmos de la ciudad moderna se formaron a partir de estas leyes universales. 

El modesto periódico De Stijl, abogaba por la absorción del arte puro por medio del arte aplicado. El espíritu del arte podría pernearse en la sociedad por medio de la arquitectura, el diseño gráfico y los productos. EL arte no se subyugaría al nivel de los objetos cotidianos; el objeto cotidiano (y, por medio de éste, la vida diaria) sería elevado a nivel de arte. A principios de los años veinte, comenzó el impacto De Stijl en la arquitectura, en el diseño industrial y en la tipografía.

Poesía dadaísta en De Stijl, 1921
Théo van Doesbrg. El tamaño, la negrura y el estilo de los tipos se volvió parte del mensaje.

Cartel para una exposición, 1920.
Théo van Doesburg. la rotulación original fue ejecutada en tinta para su reproducción y promover la exposición internacional "La section d'or, cubista y neocubista.

Expresionismo abstracto

El expresionismo es un movimiento que surge como reacción al impresionismo; se desarrolla principalmente en Alemania en el primer tercio del siglo XX; (desde 1905 hasta finales de la década de 1920), por lo cual sufre el tremendo impacto de la primera guerra mundial. Surgió como una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes. El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. En el campo de la publicidad comercial el expresionismo gozó de pocas oportunidades para aplicar sus principios, sin embargo en libros, revistas o posters y en pequeñas ediciones para bibliófilos y en los panfletos políticos extremistas si se produjeron interesantes ejemplos con innovadores resultados.

Vasilly Kandinsky

La Bauhaus

El termino Bauhaus ha conservado su frescura, hasta nuestros días. Es el punto de partida del Movimiento Moderno, éste término genera una asociación con formas elementales: cuadrado, triángulo y círculo; con los colores primarios: rojo, amarillo, azul; así, como con muebles de tubos de acero, arquitectura cúbica blanca y funcionalismo. La Bauhaus fue dirigida como una institución con aspiraciones antiacadémicas y reformadoras a la vanguardia del diseño; como escuela estuvo bajo la dirección de Walter Gropius [1919-1927]; Hannes Meyer [1928-1930] y Mies van der Rohe [1930-1933], cada uno de éstos directores le imprimió a la escuela su propia filosofía y orientación académica.

Sede de la Bauhaus, fundada en 1919

Los talleres eran el corazón de la formación en la Bauhaus, tres [3] años duraba la formación como oficial artesano y luego de aprobar un examen, se convertía en joven maestro; los talleres consistían en: producción de vidrio, cerámica, textiles, metal, carpintería, pintura mural y escultura en madera y piedra. En otras direcciones de la escuela se reajustaron o fusionaron los talleres, se incluyeron además: impresión de publicidad, artes plásticas y escenografía; también existieron talleres de: fotografía, taller de publicidad y arquitectura. 

Durante la dirección de la escuela por Meyer [1928-1930] la Bauhaus fue una institución de enseñanza para diseñadores y arquitectos; en la dirección de Mies van der Rohe [1930] la escuela estaba encaminada en caminada a convertirse en una escuela destinada exclusivamente a la enseñanza de la arquitectura. 

En el manifiesto de la Bauhaus se había proclamado una teoría tripartita: una relativa al dibujo, una artesanal y una científico-teórica. En lo académico, del seno de la escuela surgieron varias teorías que orientaban la catedra y la enseñanza: 

Lothar Schreyer ofreció teoría de la tipografía 

Paul Klee, desarrollo una teoría formal y 

Walter Gropius concibió una teoría del espacio 

Wassily Kandinsky tenía la catedra de elementos básicos de la forma y un curso de teoría del color y de dibujo representativo. 

Desde la escuela se forjaron nuevas teorías académicas encaminadas a proyectar una nueva imagen profesional en el área de diseño gráfico y de la industria textil. 

La escuela pasó por diferentes fases, según, se desarrollaban las vanguardias artísticas de comienzos del siglo XX: 

1919 a 1921: Fase Expresionista 

1922 a 1927: Fase Movimiento De Stijl, se introdujo una nueva concepción con el lema Arte y Técnica, su filosofía declaraba una estética mecanista y la cual el artista no debería representar su vida espiritual y sus sentimientos, sino que debería reconocer su responsabilidad de cara a una homogénea definición plástica del mundo. Los recursos artísticos eran limitados, se reducían a los colores primarios [rojo, azul, amarillo y los no colores: blanco, negro y gris]. El diseño consistía en la puesta en equilibrio de los medios de expresión considerados como opuestos: negro-blanco, amarillo-azul, horizontal-vertical y vacío-materia. 

1921 a 1928: Fase constructivista, un grupo de estudiantes húngaros se distanció del expresionismo por medio del manifiesto Kuri en diciembre de 1921, Kuri apoyaba lo constructivo, utilitario, racional, internacional; las nuevas teorías también tuvieron efectos sobre los maestros de la escuela, es el caso de Kandinsky quién geometrizó su lenguaje expresionista visual. 

Las teorías de diseño de la Bauhaus 

Las formas elementales: La escuela persistió en el uso de las formas elementales y los colores primarios como un ABC para los proyectos de los talleres y se remonta a la teoría Platónica por la cual al geometría es una realidad que existe independientemente del ser humano; como base para las clases se utilizó el libro de Wassily Kandinsky De lo espiritual en el arte, 1911. 

Teoría del Color: Los profesores Itten, Klee y Kandinsky, se orientaban en los esquemas de color de J.W. Goethe, Ph. O. Runge y A. Hölzel. Itten y Kandinsky relacionaron su teoría del color con figuras, no así Klee. Las clases de Klee fueron especialmente útiles en la tejeduría, ya que en ellas trataba la creación de motivos a través de desdoblamientos, simetrías axiales y rotaciones. 

Funcionalismo: El objeto diseñado sólo podría constar de pocas y sencillas piezas a fin de facilitar su producción industrial, con ésta teoría Gropius retomó sus ideas de síntesis por las que conciliaba opuestos. De 1924 en adelante la palabra funcionalismo conquistó la Bauhaus y desde entonces ha quedado íntimamente relacionada con ella. [El estilo Bauhaus].

Cartel para al exposición de la Bauhaus en 1923 de Joost Schmidt.
El diseño de éste cartel, hecho por un estudiante, para la famosa exposición son evocados el constructivismo y un sentimiento de formas mecánicas.

Portada para el primer libro de la Bauhaus, 1923 por Laszlo Moholy-Nagy.
La estructura de la página esta basada en una serie rítmica de ángulos rectos. Para crear un segundo plano tipográfico las líneas son aplicadas a dos palabras.

Bibliogrfía

• Gombrich, Ernest H. La Historia del Arte, México, Editorial Diana, 1998
• Droste, Magdalena. Bauhaus, Alemania, Taschen, 2006
• Elger, Dietmar. Dadísmo, Taschen.
• Meggs, Philip B. Historia del Diseño Gráfico, Editorial Trillas. México, 1991

Webgrafía

• Texto de Virginia B. Spivey - es.khanacademy.org/
• http://taller5-histdiseno8a-b.wikispaces.com/file/view/2%20SEMANA.pdf/157761239/2%20SEMANA.pdf
• http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/contextos/5123.htm 

Material visual

Las imágenes y material visual, se ubicaron a través de Google y son para el uso educativo.

Aula Virtual

La Escuela de la Bauhaus